sábado, 8 de junio de 2013

ESTÉTICA PUNK

ESTÉTICA PUNK

Son ya varias las temporadas en las que venimos observando la expansión de prendas y complementos tradicionalmente vinculados a esta cultura urbana por tiendas y colecciones

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La moda bebe de la calle, de la gente, de las tendencias que nosotros mismos vamos creando. La moda va creando y regenerando nuevos y viejos conceptos, haciendo moderno lo más antiguo y reinventando modos y estilos diferentes. Y desde hace un par de años, primero la esencia más rockera y ahora el punk más atrevido, forman parte de los escaparates de cualquier ciudad. Pero ¿dónde está el origen de la estética punk? Con su nacimiento ligado a la música, el punk nació en la década de los setenta y pronto fue algo más que un género musical, convirtiéndose en una filosofía que expresaría sus pensamientos a través de la música y por supuesto, de su estética poco común. En sus inicios, el punk se mostraba contrario a la sociedad que le rodeaba; críticos y pesimistas, hicieron del there is no future (no hay futuro), uno de sus primeros lemas. Para los primeros integrantes de este movimiento, todos los parámetros establecidos por el mundo que tenían a su alrededor quedaban fuera de su propia realidad. La transgresión fue su base y a través de su estética rompedora y nada convencional, fueron poco a poco instalándose en la sociedad para sobrevivir hasta nuestros días. La moda y la música fueron una vez más de la mano y se convirtieron en el principal motor del movimiento punk.
Su desencanto con el mundo que les rodeaba se trasladó también a su imagen, dejándola al descuido y al abandono y siendo siempre el negro su color rey. Cortes asimétricos, prendas desgastadas y rotas, pantalones pitillo y chaquetas vaqueras o de cuero, fueron su principal uniforme. Sin embargo, más de tres décadas después las tiendas se encuentran llenas de este tipo de prendas y no es complicado ver a toda clase de personas luciendo alguna prenda tradicionalmente vinculada a la estética más punk.
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Las crestas, los piercings y los tintes de colores fueron otro de los signos de identidad de los punks que además, se caracterizaban por crear sus propia vestimenta y lucir lemas en sudaderas y camisetas. Las chapas, parches y tachuelas son, sin duda, los complementos más utilizados en esta cultura y una vez más, no resulta difícil pensar en prendas actuales adornadas de este modo. Desde las marcas más masivas hasta las más exclusivas, todas han caído rendidas ante tachuelas, pinchos o prendas desgastadas y una vez más comprobamos cómo la moda no es algo aislado y lejano a nosotros sino que es capaz de traspasar fronteras y convertir aquello que un día nació como movimiento marginal, contrario a lo establecido y alejado de la masa, en una nueva moda que impregna cada rincón de las calles que todos recorremos cada día.

DISEÑO EMOCIONAL

DISEÑO EMOCIONAL

Es aquel diseño enfocado en la relación usuario- objeto, creador de productos que ademas de cumplir con sus funciones practicas esperables, tienden a provocar una respuesta emotiva en las personas, a través de la interacción sensorial, generando una experiencia de uso mas placentera e intima, creando un vinculo que va mas allá de la simple utilidad de los objetos.

Según Donald Norman: "El diseño de un producto puede evocar emociones de forma explícita, a través de su estética"

El efecto de estética-usabilidad es el fenómeno en el cual las personas perciben los diseños mas atractivos como mas fáciles de utilizar en comparación con aquellos diseños menos atractivos.
NOKIA fue una de las primeras compañías en percatarse que los teléfonos requerían tener mas que las características básicas de comunicación. Agregaron elementos estéticos como: carcasas de colores, tonos personalizables, estuches... Estos son mas que simples ornamentos, los elementos estéticos crearon una relación positiva en los usuarios, lo que hizo mas tolerables los problemas que pudieron presentar estos dispositivos.

Donald Norman señalo que : el objetivo de este nuevo concepto de diseño, consiste principalmente en reenfocar las cosas y pasar de diseñar cosas prácticas( que funcionen bien y se entiendan bien) a productos y servicios que se disfruten, que reporten placer y hasta diversión.

Los responsables del proyecto de diseño del Audi Q7 dedicieron aprovechar este hecho para incorporar nuevas metodologías de trabajo que ya se utilizaban en la industria del automovil. En concreto la ingenieria kansei.
El termino Kansei proviene del japones y se puede traducir como: sensación o sensibilidad. Su creador fue el profesor Mitsuo Nagamachi, el mismo la define como:

"Una metodología de desarrollo ergonómico de nuevos productos orientada al consumidor, basada en trasladar y plasmar las imágenes mentales, percepciones, sensaciones y gustos del consumidor en los elementos de diseño que componen un producto"

Conducir un Audi Q7 debía transmitir sensaciones de seguridad, confort, potencia, agilidad, calma, suavidad, versatilidad, rapidez, modernidad,elegancia y flexibilidad entre otros.
A parte de conseguir un vehículo de lineas agradables que generaran satisfacción visual, los sentidos del oído, el olor y el tacto juegan también un papel importante en el Audi Q7.
El conjunto de sensaciones no visuales y no auditivas que experimenta un individuo se estudió en detalle.
Sentarse y manipular el coche debía resultar placentero.
Es decir un proceso de diseño que incorpora nuevas facetas para conseguir despertar un conjunto de emociones en el usuario.



sábado, 1 de junio de 2013

OPTICAL ART



La expresión "Op art" corresponde a la abreviación de "optical art", la cual es una forma artística contemporánea que alcanzó su auge en la década de 1960. 

El "op art" consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas. El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.

 Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por sus tan características formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda, entre otras. Algunas de los métodos empleados en esta tipología artística son:
 Repetición de las formas simples, los colores crean efectos vibrantes, gran efecto de profundidad, confusión entre fondo y primer plano, hábil uso de las luces y las sombras, el resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve, aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo, en la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen. Artistas representativos: Victor Vasarely, Thez, y Jesús Rafael Soto.

Actualmente el "op art" ha sido utilizado en varias campañas publicitarias.

Una de las campañas más actuales y famosas que se han relaizado haciendo uso del op art, fue la campaña de Sony, para anunciar su gama de televisores: Sony Bravia.



TBWA/ Barcelona se apropió de esta corriente para la elaboración de estas piezas para el Banco de Catalunya que hacen parte de su más reciente campaña.





ARNE JACOBSEN

ARNE JACOBSEN

La silla 3107, mejor conocida como la “serie 7” de Arne Jacobsen para Fritz Hansen es una de las sillas más populares en la historia del diseño con más de 6 millones de piezas producidas desde que salió al mercado en 1955. Cada una de ellas fabricada por Fritz Hansen, la compañía de mobiliario danesa que tuvo una larga y exclusiva relación con el arquitecto y aún hoy produce una gran cantidad de sus diseños.



Fritz Hansen hace cada una de estas sillas con una calidad impresionante. Utilizan 9 capas que son domadas y detalladas para obtener su icónica silueta. Su respaldo “sede” lo suficiente para acomodar la espalda, algo que es logrado al incluir una capa de algodón de la india en su interior. Aunque su perfil pueda parecer delicado, la silla 3107 resiste más de media tonelada de presión.





Hoy en día este diseño esta disponible en varias versiones, 3 acabados y una gran variedad de maderas y colores. La serie 7 también es considerada la silla más copiada en la actualidad, pero ninguna copia se compara a la calidad de Fritz Hansen.

Arne Jacobsen, Fritz Hansen y la silla 3107 son iconos del diseño escandinavo y el modernismo que después de más de 50 años siguen siendo utilizados en todo tipo de espacios comerciales, públicos y privados. El buen diseño prevalece.

NUEVO STYLING

NUEVO STYLING

El styling, es un término que se usa para referirse a una de las filosofías de diseño con énfasis en hacer un producto atractivo para los consumidores con el fin de venderlo. Esta filosofía se opone al funcionalismo y su  mayor representante fue el diseñador industrial norteamericano Raymond Loewy.


El styling surgió en los Estados Unidos después de la caída de la bolsa de valores en 1929, con el objetivo de incrementar las ventas. El styling corresponde a una modalidad de diseño que intenta hacer el objeto  atrayente para el comprador.

Después de esta crisis se lanzó una ley de recuperación nacional que consistían en el mismo tipo de producto y al mismo precio. con lo cual a los diseñadores industriales y a las empresas ya solamente les quedaba poder centrarse en la apariencia física de sus objetos para diferenciarlos en el mercado y hacerlos mas atractivos. Y esto lo consiguen con las lineas aerodinámicas  que simbolizan la modernidad, el movimiento, el progreso, el cambio y el avance tecnológico. Dándole al objeto un valor añadido y haciendo que el consumidor desee tenerlo.

Esta  modalidad de diseño que prioriza el aspecto externo de los objetos con el objetivo de embellecer los productos y generar imágenes de marca para que fuesen más atractivos para los consumidores.
El Styling es un concepto que, fundado en la expansión de la cadena publicitaria, propicia el cambio constante de la apariencia de los objetos con el fin de que ello genere un incremento en las ventas. Este cambio formal no presupone un rediseño completo y total del producto
Podemos comparar este estilo con algunos de los productos que existen en la actualidad y que se caracterizan por valores parecidos. 
Como por ejemplo el exprimidor de Philipe Strack:

El Juicy Salif, es el famosísimo exprimidor de cítricos de Alessi diseñado en 1990 por Phillippe Starck. Eso sí, más que un utensilio de cocina es un objeto de decoración y como dijo el propio Starck “mi exprimidor no está pensado para exprimir limones, si no para iniciar conversaciones” 
 Se podría afirmar que su forma extraña pero encantadora suele seducir a muchos compradores. Sus líneas estilizadas, su composición poco convencional y el aluminio fundido hacen de éste un objeto estéticamente agradable, innovador, original y elegante que le promete al usuario que una actividad cotidiana puede transformarse en un momento extraordinaria


ARQUITECTURA ORGANICISTA

ARQUITECTURA ORGANICISTA

El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto americano Fank Lloyd Wright

El organicismo arquitectónico, más que arquitectura es una filosofía de la arquitectura que pretende la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural.
Y no existe una arquitectura más orgánica que las hermosas casas noruegas con verdes techos cubiertos de follaje, un fenómeno que se va extendiendo por muchos otros lugares del mundo, aunque los noruegos han estado plantando vegetación encima de sus casas durante cientos de años.

Fueron Erik Gunnar Asplund en Suecia y Alvar Aalto en Finlandia los principales propugnadores de esta corriente arquitectónica cuya idea primordial era la preocupación por la vida del ser humano y una nueva conciencia de los espacios. 

Algunas casas mezclan flores con vegetación, incluso en algunos casos hasta pequeños árboles. La principal ventaja de los techos verdes, aunque tiene muchas, es que ayuda a estabilizar los hogares proporcionando un buen aislamiento y son de larga duración.

Los techos verdes de Noruega tienen una larga tradición y es común verlos salpicar el paisaje del país, o como en estos casos que presento, que se fusionan casi totalmente con el paisaje. Durante la edad media y en las construcciones vikingas, la mayoría de los techos tenían césped, y en la zonas rurales el césped de los techos fue casi universal hasta principios del siglo XVIII. Los techos de tejas, que aparecieron mucho antes en los pueblos y señoríos de las zonas rurales, poco a poco fueron reemplazados para los techos de césped, excepto en las remotas zonas del interior durante el siglo XIX.

El renacimiento de los techos verdes también se ha visto impulsado por un interés cada vez mayor por la vida al aire libre, los refugios de montaña, las casas de vacaciones y los movimientos de conservación medioambiental. Cada año, desde el año 2000, se otorga un premio al mejor proyecto de techo verde en Escandinavia por la junta directiva de la Asociación de Techos Verdes Escandinavos.

Los arquitectos actuales que consideran las condiciones climáticas, la hidrografía y los ecosistemas del entorno en que se construyen los edificios, para obtener el máximo rendimiento con el menor impacto, y que además tienen en cuenta la reducción del consumo de energía para calefacción, refrigeración, iluminación y otros equipamientos, empiezan a tener en cuenta esta propuesta verde, además del resto de fuentes de energías renovables.
ARCHIGRAM

Un grupo arquitectónico de vanguardia creado en la década de 1960. Inspirándose en la tecnología con el fin de crear una nueva realidad que fuese expresada solamente a través de proyectos hipotéticos. Los principales miembros del grupo fueron Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene. En el panfleto Archigram, publicado en 1961 exhibieron sus ideas. Encargados de realizar una infraestructura ligera, con tecnología de punta, enfocada hacia la tecnología de supervivencia, experimentaron con tecnología clip-on, medios desechables, cápsulas espaciales y con la imaginaria del consumo masivo. Sus obras ofrecían visiones seductoras de una glamurosa era futura de las máquinas; sin embargo, los temas sociales y ambientales fueron dejados de lado.
Algunos proyectos famosos de Archigram son el "Walking Cities" de Ron Herron y el "Plug-in-City" de Peter Cook, ambos realizados en 1964.


El grupo Archigram nace en la década de los sesenta como una nueva interpretación de la arquitectura moderna envuelta en un contexto de arte pop, comics, ciencia ficción, viajes espaciales y progresos tecnológicos.
Archigram se impone como la principal fuente agitadora de la arquitectura moderna, tratando de llevar a cabo proyectos totalmente llamativos, imaginarios y futuristas, que en la mayoría de los casos eran imposibles de realizar.


Al proponer una arquitectura denominada “High Tech”, se empeizan a cosiderar nuevos materiales industriales tales como acero y vidrio, los cuales de alguna manera permiten tener una mayor flexibilidad en la construcción y a la hora de habitar, tratando de dar un golpe a aquella arquitectura moderna que no había sido capaz de solucionar este problema.
Como es lógico, la mayoría de estos proyectos quedaron en el papel, pero a mi modo de ver esto, no fueron pensados en vano, soñaban con una arquitectura capaz de solucionar todos aquellos problemas de ese entonces, incentivando el cambio y la flexibilidad, plasmándolos de una manera llamativa (lo cual es lo que más me llama la atención). ejemplo de ello, Plug-in-city, Walking City, Instant City, en la que logro interpretar cómo se conectan tanto el espacio urbano y las relaciones domésticas tratando de crear una “conectividad” en la vida social.


Esta arquitectura que para muchos no llegó a ninguna parte, en realidad para mi y para muchos otros artistas sí fue de gran significado, y esto se puede ver en su marcada influencia en obras como: el Centro Georges Pompidou, hecho en 1971 por Renzo Piano y Richard Rogers, en el cual, su forma, colores y altura son “llamativos y extraños” para su entorno. Se observa en las novedosas y complicadas formas que tiene el edificio en cuanto a los muchísimos tubos, barras y estructuras que invaden las fachadas, usando una “alta tecnología”. Archigram creó numerosos diseños en los año 1960 llenos de fantasía con influencias hippies. En sus proyectos abundaban los tubos, colores y estructuras metálicas que se sacan al exterior, para dejar visible la tecnología del edificio.

Y Así como una obra arquitectónica se vio influenciada por Archigram, también lo fue el Cine británico, el grupo Monthy Pyton evocó las imágenes tecnológico-futuristas de Archigram en ciertas escenas del filme Brazil.



Veo a Archigram como un grupo de arquitectos soñadores, que lograban plasmar de una manera maravillosa y llamativa sus propuestas, unas propuestas futuristas e innovadoras, quizá esto es lo que más me llama la atención de ellos y ver cómo de esta manera lograron influir tanto en obras de la modernidad, en donde existían tantos problemas de habitabilidad y Archigram busca de una mejor manera dar solución a éstos. pero su influencia no sólo se ve en el tema de la habitabilidad, sino en su gran cantidad de colores y formas novedosas que resultarán atractivas para los nuevos diseños.



PERFORMANCE

Una performance o acción artística es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un papel principal. Tuvo su auge durante los años noventa.


El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al movimiento Fluxus, al Body art y, en general, al arte conceptual. Al principio de los años sesenta, artistas como Georges Maciunas, Joshep beuys, Wolf Vostell, y Nam June Paik entre otros, empezaron a crear los primeros happenings y conciertos fluxus. El término performance  comenzó a ser utilizado especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta, con artistas como Carolee Scheemann, Marina Abramovic y Gilbert & Georges entre otros.

El arte de la performance es aquel en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. La performance o "acción artística" puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración, La performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artistica.

En general la perfonmance es un arte efímero, que nunca se repite de la misma manera.


Este tipo de arte es el que quisieron transmitir los alumnos de Instituto Europeo de Diseño cuando hicieron la performance del worckshop "Plastique Fantastique" dónde salieron a la calle a exponer el trabajo que habían hecho esa semana para provocar una reacción en las personas que pasaban por allí, todos se quedaban mirando extrañados, algunos sonreían y seguían su camino pero otros se paraban, se sacaban fotos, preguntaban que era eso y tocaban las burbujas de plástico, y los niños mas atrevidos incluso quisieron meterse dentro de las burbujas igual que estaban allí metidas las chicas del IED.
Esta actuación no habría tenido tenido éxito de no ser por la intervención y las reacciones del público que pasaba por allí, sin ellos habrían sido unos simples tubos de plástico sin ningún atractivo, pero la gente hizo posible su desarrollo en una ambiente casi de fiesta y de risas. Sin el publico esto no habría sido posible.
Al final del día los tubos de plástico se desinflaron y se guardaron, fue algo efímero, en el cual importa el "aquí y el ahora".












sábado, 6 de abril de 2013

LA CULTURA POP


                                                                ANDY WARHOL

Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura y, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa y de los reality shows.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

Andy Warhol trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas 
 Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico,  Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella personal del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados "anti-artísticos" constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense.  
Warhol utilizó la serigrafía, offset, pintura en tonos planos con colores brillantes- para representar celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche, imágenes de suicidios o desastres, como la serie "Death and Disaster"







Me ha llamado mucho la atención algunas imágenes en las que me estado fijando estos días que me recordaron a la clase del viernes 5 de cultura pop.


Esta imagen la han hecho los niños de la clase de mi hermana para un mural del colegio.
Es bastante parecida a las obras de Warhol en las que representa a Marylin, 
Por los colores saturados y muy vivos que utilizan los niños para 
sus autorretratos. 

El bote de fabada litoral como si fuera la sopa campbell de Andy Warhool.


EL BARONG
El Barong es una criatura mitológica mitad león y mitad dragón que representa el Bien luchando contra el Rangda, la bruja, que representa el Mal.
Es una de las principales tradiciones de la isla de Bali.

Cuando vi esta representación de el Barong me recordó al pop art por los colores tan vivos que utiliza.








miércoles, 27 de marzo de 2013

Tema 1. FRANCIS BACON

Tres artistas contemporáneos. Ghenie Adrian, Chiharu Shiota y Annegret Soltau han creado obras de arte que puedan tener interacciones con obras de Francis Bacon, porque se inspira en la investigación de la condición existencial, formada por los estados de ánimo de todo ser humano, a lo largo de su existencia. 

En las obras de estos tres artistas ocurren claramente parte del arte de Francis Bacon, por ejemplo, la fusión entre la figuración y la abstracción, la descomposición y deformación del cuerpo, el cuerpo como carne perecedera y el uso de fuentes heterogéneas.


 Annegret soltau                                                           Francis Bacon  


                         
  Francis Bacon                                              Ghenie Adrian



      Francis Bacon